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di Luigi Pirandello con Mariano Rigillo e Anna Teresa Rossini
Scene di AlessandroChiti
Musiche di Germano Mazzocchetti
Regia di Maurizio Panici in coproduzione con APAS

Pensare ai Giganti conduce inevitabilmente a riflettere in profondità sul nostro “fare teatro” e quanto questo “fare” trovi oggi ascolto tra i “Giganti”.
Ma i giganti siamo noi, con le disillusioni, il cinismo, la crudeltà che il “nostro tempo” ci impone e a cui non sappiamo sottrarci.
Così Cotrone e la sua “corte” diventano degli autoesclusi-borderline rifugiati in una villa-fortezza che, come una diga, li difende dal mondo esterno: “siamo agli orli della vita” dice Cotrone alla Compagnia della Contessa invitandoli a restare in quel luogo sospeso, fuori dal rumore e dalle regole della società che li circonda.

La Compagnia – micro comunità chiusa in se stessa, emblema di un’arte sempre più avulsa dalla realtà, gruppo di ectoplasmi colti nel momento finale di un calvario durato troppo e destinati a scomparire – esita, annaspa fino all’arrivo dei Giganti e alla scelta finale di Ilse di rappresentare la “favola del figlio cambiato”.
Non è facile oggi, non è giusto scegliere gli Scalognati o la Compagnia, ma capirne le ragioni sì, guardarli affettuosamente nel loro percorso parallelo in attesa di un incontro, di una riconciliazione che non ci sarà. Spettacolo del disincanto ma fortemente e caparbiamente ottimista nella sua volontà di credere ancora al rito catartico della rappresentazione.
Sospesa tra favola e realtà, come Pirandello stesso del resto ci indica, la vicenda prende corpo allo stesso modo in cui prendono corpo i fantasmi evocati da Cotrone nella stanza delle apparizioni.
Uno spettacolo “difficile” ma assolutamente accessibile, l’ultimo grande testo incompiuto di un autore che ha sofferto in prima persona il dualismo tra poesia e ragione, arte e vita, maschile e femminile.
Maurizio Panici

Debutti o alcuni dei teatri più importanti delle tournées

AGRIGENTO, Settimana Pirandelliana – Piazzale del Kaos 31 luglio 2001
ROMA, Teatro Quirino dicembre 2001
MILANO, Nuovo febbraio 2002
NAPOLI, Teatro Diana

di Carlo Goldoni

con
Pamela Villoresi
Massimo Wertmuller
e con
Renato Scarpa, Manrico Gammarota, Alessandra Costanzo
Massimiliano Alocco, Maria Teresa Pintus, Sandro Querci

Scene e costumi Aldo Buti
Musiche Luciano Vavolo
Disegno luci Umile Vainieri

Regia
Maurizio Panici

Commedia d’ambiente e di carattere insieme, La Locandiera ci offre una lettura in rilievo della società del tempo e del cambiamento in atto in quel momento, esemplificando in modo significativo i rapporti conflittuali tra le classi sociali. La storia di Mirandolina che sceglie di sposare il giovane Fabrizio fra il corteggiamento di un Conte, un Marchese ed un Cavaliere è sintesi chiara dei rapporti tra borghesia e nobiltà nel momento in cui la nuova classe sociale sta per sostituirsi nel molo egemone alla vecchia.
Ma La Locandiera è anche un perfetto meccanismo ad orologeria di analisi del carattere dei protagonisti e della loro umanità, ove essi diventano fortemente rappresentativi di mondi non comunicanti tra loro. Non a caso Goldoni li caratterizza fortemente con una ben definita area geografica di provenienza, cosicché la locanda in Firenze diventa il centro di un mondo periferico, di una “Italia” ancora in divenire, di un paese delle lingue e dei dialetti.

È’ seguendo questa suggestione che l’allestimento trova uno dei suoi punti di forza: con lo scenografo Aldo Buti abbiamo immaginato la locanda e gli ambienti descritti in commedia al centro del palcoscenico, su una pedana che di volta in volta diventa luogo ideale della rappresentazione ma che è anche zattera sospesa immersa in una pienezza di luci e ombre, dove i protagonisti si incontrano e si scontrano.Gli ambienti sono descritti e suggeriti con pochissimi elementi di scena, fortemente evocativi di un settecento “luminoso”: sottraendo il “costruito” ed eliminando la sovrastruttura si fa più vivo e diretto il rapporto fra gli attori, costretti ad entrare nel “fuoco centrale” della rappresentazione.
Questa soluzione scenica ha evidenziato fortemente la parola che attraverso l’uso della cadenza dialettale degli interpreti diventa punto di forza e sostegno del carattere dei personaggi: così il Conte è un “Napolitano” che si è conquistato il titolo nobiliare con la ricchezza acquisita, il Marchese e un “romagnolo” sanguigno ma oramai svuotato di forza, le due comiche sono espressione vivace di due culture fortemente dichiarate, “romana” una e “siciliana” l’altra, mentre il Cavaliere è un “senese” che ci offre un’immagine burbera di se stesso e del mondo che rappresenta.
C’è una folta rappresentanza di varia umanità in questa commedia, pezzi di mondo che non si relazionano, e così Mirandolina e la sua locanda diventano metafora, luogo ideale per un possibile incontro, ricerca armonica di relazioni impossibilitate a concretizzarsi perché se tutti i protagonisti dichiarano di perseguirle, nessuno in realtà è poi disposto a costruirle, costretti come sono dai ruoli assegnati loro dalla storia e quindi destinati ad altro compito. Il Marchese, il Conte ma soprattutto il Cavaliere usciranno sconfitti da questo corteggiamento e di conseguenza Mirandolina tornerà ad essere una perfetta locandiera e la locanda, con il suo ritrovato equilibrio, tornerà ad essere una “semplice” azienda da gestire con accortezza. Maurizio Panici

Debutti o alcuni dei teatri più importanti delle tournées

PARIGI, Théatre des Italiens maggio 2000
VERONA, Teatro Romano – luglio 2000
MILANO, Teatro Nuovo gennaio 2001
ROMA, Teatro Eliseo marzo 2001 – Teatro Ghione gennaio 2003

da William Shakespeare
Commedia nera con musica di Stefano Antonelli – Maurizio Panici

regia Maurizio Panici

scene e costumi Tiziano Fario

con Sara Alzetta (Cressida) – Francesco Biscione (Achille) – Simone Colombari (Priamo) – Luana Colussi (Elena) – Fabio Ferri (Patroclo) – Massimiliano Franciosa (Troilo) – Manrico Gammarota (Agamennone) – Patrizio La Bella (Diomede) – Antonio Latella (Aiace) – Edoardo Leo (Ettore) – Giovanna Magliona (Cassandra) – Jerry Mastrodomenico (Enea) – Danilo Nigrelli (Ulisse) – Ivan Polidoro (Paride) – Sandro Querci (Attendente – Servo) – Giancarlo Ratti (Pandaro) – Rolando Ravello (Tersite) – Roberto Tesconi (Nestore)

musiche dal vivo Novalia
direzione artistica della parte musicale Paolo Dossena

E’ una produzione Argot – C.N.I. – Zone Attive 

Shakespeare e Omero, le musiche dei Novalia, un agguerrito gruppo di interpreti, uno sperimentato autore dell’ultima generazione, un regista che crede in un teatro popolare – nel senso in cui lo è sempre stato il teatro classico -, capace di coinvolgere anche il pubblico giovane.
Questo è il Troilo e Cressida, che verrà presentato a Roma, in prima assoluta, sabato 29 maggio alle ore 20.30 al Mattatoio di Testaccio nella giornata inaugurale della IX Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo, unica rassegna internazionale sulla produzione artistica e culturale dei giovani.
Come spesso accade in Shakespeare, Troilo e Cressida è un doppio, perché se da un lato racconta la storia d’amore tra il figlio minore del re di Troia e la figlia di Calcante, l’indovino che, avendo previsto la caduta della città, passa dal campo troiano a quello greco, dall’altro conduce un’analisi profonda sul tema della guerra. E la guerra è l’azione essenziale del dramma, sempre presente, come un continuo paesaggio sonoro: se ne avvertono gli echi, i cupi rimbombi di morte nelle minacce che i protagonisti si scambiano, nei duelli, nelle sfide non concluse. E sulla guerra punta decisamente la rilettura del testo condotta da Maurizio Panici e Stefano Antonelli, che rendono contemporaneo il linguaggio, avvicinandolo a quello delle nuove tribù protagoniste dei conflitti di questa fine secolo.
Troilo e Cressida, è un testo corale, una drammatica metafora del nostro mondo, che diviene spettacolo disincantato e crudele, mai estetizzante, sulla guerra, sui conflitti violenti che paradossalmente esplodono proprio mentre si afferma come necessaria una visione multirazziale e pluriculturale della società.
E la musica etnica, aperta a tante contaminazioni, dei Novalia, appare ideale per esprimere in maniera immediata e coinvolgente quest’idea dell’incontro di culture diverse, mentre all’Iliade di Omero – più volte citata e cantata – è affidata la cifra epica di questo racconto in forma di concerto.

Debutti o alcuni dei teatri più importanti delle tournées

ROMA, Biennale dei giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo giugno 1999
ROMA, Teatro Olimpico marzo 2000

di Yves Jamiaque
Valeria Ciangottini – Renato Campese – Leandro Amato
Stefania Castiglion – Marco Serino

Traduzione e adattamento
David Norisco

Musiche
Paolo Vivaldi

Scene e costumi
Claudia Cosenza

Regia
Maurizio Panici

Dopo aver portato in scena, ricevendo ampi riconoscimenti, la commedia dell’inglese Donald Churchill, Momento di debolezza, la coppia di attori Ciangottini-Campese continua a proporre testi teatrali in cui si indagano le sfumature dell’animo umano con humour, sensibilità e verità.
Acapulco è una commedia brillante in cui una donna – moglie e madre – tra mille incertezze combatte per ritrovare la sua individualità all’interno di una famiglia poco attenta alle sue esigenze. Lo squillo del telefono e una voce suadente rompono gli equilibri e il tran-tran quotidiano di una tranquilla famiglia creando situazioni divertenti e talora paradossali, ove le piccole cattiverie e disattenzioni dei parenti ci fanno sorridere con partecipazione e simpatia.
Autore teatrale, televisivo e radiofonico, Yves Jamiaque ha scritto numerose pièces che sono state rappresentate in molti paesi, dagli Stati Uniti, all’America Latina, alla Spagna, Portogallo, e in particolare in Germania e in Russia. Ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti fra i quali il Prix des U, il Grand Prix de la Ville d’Enghien, il Prix Ibsen e il Challenge Théâtre di Bruxelles. Con Acapulco Madame, messo in scena nel 1976 al Théâtre de la Michodière, Jamiaque ha ricevuto il Prix Antenne 2, assegnato alla migliore pièce teatrale dell’anno.